О ХУДОЖНИКАХ НАРИСОВАВШИХ ТАКИХ СИМПАТИЧНЫХ ХРЮШЕК.

[тюлечка]

Мне очень понравились хрюшки,и я решила перетащить все про художников нарисовавших их.Мне кажется,что это интересно.


Василий Кандинский (Kandinsky) (1866-1944)

Кандинский Василий Васильевич, живописец, график, один из зачинателей абстрактного искусства.

[тюлечка]

Йозеф Альберс (Albers) (1888-1979)

Американский

[тюлечка]

Вилли Баумейстер (Baumeister) (1889-1955)

[тюлечка]

Хрюшки-пионеры в сосновом лесу. 1994 г.

В

[тюлечка]

Константин Бранкузи (Брынкуш, Brancusi) (1876-1957)

[тюлечка]

Виктор Вазарели (Vazarely) (р. 1908)

[тюлечка]

Клее Пауль (Klee Paul) (1879-1940)

[Aviva]

Тюль, а нельзя ли сопровождать эту информацию о художниках картинами?

[тюлечка]

[тюлечка]

Комар и Меламед


Каин и Авель
1985 ,152х91



С новым годом
1985 , 35х171

[тюлечка]

Казимир МАЛЕВИЧ (1878-1935).

[тюлечка]

АППЕЛ Карел Appel Karel (род. 1921 Амстердам)

[тюлечка]

Укрощение хрюшек


Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Виктор Браунер Сюрреализм Фантастическая сцена Франция 1962 507

В начало каталога >>





Виктор Браунер – Victor Brauner (1903 - 1966)

Французский художник, румынского происхождения. Его юность прошла в Бухаресте в кругу румынских декадентов. Он увлекался спиритизмом и участвовал в местных авангардистских движениях. В 1924 он основал журнал поэзии и живописи 75 HP.

В 1930 Виктор Браунер обосновывается в Париже и переживает период глубокого кризиса который кристаллизуется в теме выбитого глаза ("Автопортрет с вырванным глазом" 1931). Он знакомится со своим соотечественником скульптором Бранкуси и через Ива Танги сближается с сюрреалистами. В 1934 его выставка проходит в галерее Пьер и с этого времени он участвует во всех сюрреалистических выставках. Он продолжает изображать корчащийся в муках мир потрясенный страшным бунтом что напоминает некоторые темы немецкой "новой вещественности" ("Дверь" 1932, Музей искусства графства Лос-Анджелес, «Странный случай»1934).

В 1935-1938 Браунер живет в Румынии. По возвращению в Париж в 1938, ему, по странному совпадению во время драки выбивают глаз. Его картины приобретают болезненных характер предвещающий вторую мировую войну ("Чары" 1939).

Исход 1940 года приводит художника в Восточные Пиренеи, а затем в Марсель и Нижние Альпы. В это время он развивает свою идею о взаимосвязи реального и ирреального в образе Химеры с двойным профилем ("Mythotomie" 1942, Париж частное собрание). В эти годы одиночества он создает ряд эзотерических произведений (цикл рисунков "Conglomeros" скульптура в виде фигуры с тремя туловищами и одной головой 1944, Париж, Музей современного искусства; картины написанные воском).

В 1947 Виктор Браунер отходит от сюрреализма и создает цикл автобиографических произведений "Onomatomanies". В серии "Retractes" (1950) заметно влияние Матты вместе с которым он написал ряд картин ("Интервидение" 1955. Париж, Центр Помпиду).

После 1960 искусство Виктора-Браунера становится более простым и спокойным и находит свое завершение в живописи на дереве ("Праздник матерей". Сабль-д'0-лонн. музей). В 1982 госпожа Виктор Браунер передала в дар Музею современного искусства – Центру Помпиду в Париже ряд работ художника (и среди них знаменитую «Укрощение хрюшек»). Животный мир, который он рассматривал с метафизической и поэтической точек зрения, всегда волновал его и стимулировал его творческий потенциал. Художник заставляет зрителя ощущать его двойственную природу: «Я напоминаю Вам, что все эти животные находятся внутри Вас».

…еще в первую поездку во Францию меня возили два искусствоведа на берег моря километров за 50 от Нанта... Там есть такое курортное местечко, пляж, купальная станция, и там есть маленький музей, в котором замечательные сюрреалистские картины 40-х годов: картины Виктора Браунера - большая серия совершенно непристойных картин, которые он написал, поссорившись с Андре Бретоном, который был пуританин и очень строго относился ко всем вопросам секса, со всякой порнографией боролся, а Виктор Браунер, поссорившись с Бретоном, написал серию таких очень условных, графических, но очень неприличных картин, типа рисунков на стенах туалета, только смешных. И вот меня повезли посмотреть эту коллекцию, которая спрятана в этом музее на чердаке, чтобы не шокировать курортников, которые приходили с детьми…

Михаил ТРОФИМЕНКОВ. ПО УТРАМ ВСЕ РАЗГОВАРИВАЛИ ШЕПОТОМ.
Митин журнал. Вып. 44 (январь-февраль 1992)





Сюрреалистическая хрюшка на длинных лапах


Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Сальватор Дали Сюрреализм Фантастическая сцена Испания 1933 521

В начало каталога >>





Дали (Dali) Сальватор (1904 - 1989)

Одним из наиболее ярких представителей сюрреализма, образ мышления которого сюрреалистичен, практически с рождения и до самой смерти. «Нормальность ставит меня в тупик» - утверждал он. Многоликий гений, с присущей ему чисто каталонской изменчивостью (столь заметной также у Пикассо и Миро), Дали очень рано проявил себя как человек необычайно живого ума. В 1920-1925 он испытал искушение писать в духе академизма (он получил образование в мадридской Академии художеств), голландского и испанского реализма, футуризма, кубизма и кубизирующего реализма послевоенного времени (Девушка у окна, 1925. Мадрид, Испанский музей современного искусства). Его пристрастие к изображению подсознательного было инспирировано чтением Фрейда, и Дали серьезно занялся вначале метафизической живописью.

Его первая выставка прошла в ноябре 1925 в Барселоне (гал. Дальмау). В это время он пишет композиции, в которых неустанно изображает морские пейзажи, отпечатавшиеся в памяти с детства, - навязчивая идея, не покидавшая художника никогда (Женщина перед скалами, 1926, Милан, частное собрание). Приезжая в Париж в 1927, а затем в 1928, он знакомится с Пикассо и Бретоном и с готовностью присоединяется к группе сюрреалистов, разрабатывавшей идеи, близкие его собственным, и, по словам Бретона, уже в 1929 полностью внедряется в нее. Тогда же он знакомится с Галой Элюар, которая вскоре становится его женой и вдохновительницей.

Дали создал сюрреализму шумную и блестящую рекламу. В 1929 на выставке в гал. Геманс экспонировались его сюрреалистические произведения (Загадка желания. Моя мать, моя мать, моя мать, 1929, Цюрих, частное собрание), иллюстрирующие его теорию критической паранойи, изложенную в книге Видимая женщина (1920). Речь идет о продолжении традиции, берущей свое начало в творчестве Боттичелли, Пьеро ди Козимо, Леонардо да Винчи (который сформулировал ее в своем Трактате о живописи). Затем, благодаря ташизму и фроттажам Макса Эрнста, Дали увлекся изображением на холсте образов, вызванных свободными ассоциациями по поводу случайно избранных форм, имеющих какое-либо значение или нет. Отсюда - его картины, на которых, под видимостью тонкой оптической иллюзии, предметы растягиваются (мягкие часы), растворяются, разлагаются, превращаются в другие предметы; этой же идеей были вдохновлены и интерпретации, подчас неприличные, знаменитых картин (таких, например. как Анжелюс Милле, где в трактовке Дали мужская шляпа прикрывает половой орган в состоянии эрекции). Это было своеобразной интеллектуальной тренировкой художника, в которой, несомненно присутствовал элемент самолюбования и которая не имела границ.

Несмотря на разрыв с Бретоном в 1934, вызванный поведением художника, искусство Дали вырастает именно из сюрреалистической эстетики, в которой он нашел столь близкие ему мотивы: чувство потерянности человека в огромном мире. чувство юмора, и самое главное - полная свобода воображения (Стойкость воспоминания, 1931, Нью-Йорк, Музей современного искусства, Предчувствие гражданской войны, 1936, Филадельфия, Музей искусства). Было бы ошибкой отрицать оригинальность этих мотивов: если свою технику исполнения сам художник с вызывающей гордостью сближал с техникой Мейссонье, то сюжеты, переходящие из одной картины Дали в другую, открывают вселенную его личных переживаний, в которой присутствуют и эротизм, и садизм, и гниение. Влияние Де Кирико, Эрнста и Танги были ассимилированы Дали с явным отвращением к простоте, художник воплотил их под знаком стиля модерн своего соотечественника Гауди, в котором он воспевал ужасающую и съедобную красоту. Все эти мотивы нашли отражение и в поэмах и фильмах художника, снятых в сотрудничестве с Бюнюэлем (Андалузский пес, 1928, Золотой век, 1930).

В 1936 Дали совершает неожиданный и подчеркнутый поворот к итальянскому классицизму, что обозначало разрыв с историческим сюрреализмом. В 1940-1948 он живет в США. По возвращении в Испанию, он живет в Порт-Льигат в Каталонии. В 1958 он венчается с Галой. В своем творчестве Дали обращается к самым разным источникам - нидерландскому реализму, итальянскому барокко (Христос св. Иоанна на кресте, 1951, Глазго, Художественная гал.). абстракционизму (в частности, к живописи действия), поп-арту. С 1970-х он нередко прибегает к методам, позволяющим как можно реальнее передать рельефность (наподобие голографии или стереоскопии).

Художник проявил свой талант саморекламы, имевшей целью создать и укрепить в глазах публики миф о Дали как об экстраординарной личности и починном представителе сюрреализма. И эта цель была достигнута посредством головокружительных затей и махинаций, предложений и компромиссов в отношениях с политической и религиозной властями. Жизнь и творчество Дали причудливо сплелись в единое мистическое целое, как еще одно произведение художника, заслуживающее если не одобрения, то, по крайней мере, менее скептического отношения.

http://www.big.spb.ru/about/art_chapter/pigs/

[Aviva]

Тюля, все очень интересно, но, если ты не дашь одну-две ссылки, у меня могут быть проблемы

[тюлечка]

Одинокая метафизическая хрюшка


Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Джорджо де Кирико Метафизическая школа Фантастическая сцена Италия 408

В начало каталога >>





Д. Де Кирико – G. De Chirico (1888 - 1978)

Итальянский художник и теоретик искусства, считается одним из предвестников сюрреализма в современной живописи. Джорджо де Кирико родился в греческом городе Волос 10 июля 1888. Учился в Высшей художественной школе в Афинах и в Академии художеств в Мюнхене. Увлечение философией Ф.Ницше и аллегорической живописью Арнольда Бёклина способствовало появлению у Де Кирико интереса не к принципам академического реализма, а к толкованию загадочных символов, снов и галлюцинаций. В 1908–1911 он жил в Италии, в основном во Флоренции, с 1911 – в Париже, а с началом Первой мировой войны вернулся в Италию. Между 1908 и 1917 Де Кирико создал свои самые значительные произведения – серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Даже названия этих работ, такие, как Радости и загадки странного часа (1913), Меланхолия и тайна улицы (1914) и Одинокая метафизическая хрюшка (1919) указывают на стремление автора наполнить самые обыденные ситуации ощущением опасности и ирреальности. Сам художник заявил в 1913: «То, что я слышу, – ничего не значит; существует только то, что я вижу своими глазами, – и даже более того, то, что я вижу с закрытыми глазами». В 1915–1919 Джорджо де Кирико и Карло Карра сформулировали теоретическое обоснование своего искусства, положив начало недолговечному течению метафизической живописи в итальянском искусстве. В 1920-е годы художник обратился к созданию романтических вариаций на классические сюжеты.

Ранние работы Джорджо де Кирико оказали существенное влияние на формирование сюрреализма и творчество таких его представителей, как Макс Эрнст, Ив Танги, Сальвадор Дали и др. По словам его основателя и идеолога Андре Бретона, только произведения Де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами живописи. В 1945 художник опубликовал автобиографию, Воспоминания о моей жизни. Умер Джорджо де Кирико в Риме 20 ноября 1978.



«И вот они приступили к обходу этого странного здания, расположившегося в сумрачной, однако внушительной и не унылой улице. С улицы дом производил впечатление немецкого консульства в Мельбурне. Весь его нижний этаж занимали большие магазины. Хотя было не воскресенье, и не было праздника, все магазины были закрыты, что навевало на этом отрезке улицы меланхолическую тоску, создавая некоторое запустение и ту своеобразную атмосферу, которой по воскресным дням отличаются англосаксонские города. В воздухе едва слышался запах доков: неуловимый проникновенный запах, который идет с товарных складов у пристаней и в порту. Вид немецкого консульства в Мельбурне был сугубо личным впечатлением Гебдомероса, и когда он поделился им с приятелями, те, хотя они заулыбались и нашли, что сравнение смешное, сразу же перешли на другие вещи, показав Гебдомеросу, что они, скорее всего, просто плохо поняли смысл его слов. И он задумался о том, как трудно быть понятым, когда начинаешь достигать определенных высот или глубин»



Джорджо Де Кирико "Гебдомерос"(начало). Это его единственное произведение в художественной литературе, помимо тех описаний видений и снов, которые в 1920-х годах печатались в журналах сюрреалистов.





Хрюшка в виде Клеопатры


Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Ян Зрзавый Сюрреализм Фантастическая сцена Чехия 1952 387

В начало каталога >>





«После Редона, Мунка и Руссо наиболее сильный и незабываемый импульс духовной живописи дал Ян Зрзавый»

Джорджо де Кирико.

Чешский живописец. Фантастические и национальные пейзажи, иллюстрации к произведениям европейских и чешских писателей часто отличаются лиризмом, ясностью утончённого линейного ритма; религиозные и жанровые композиции («Хрюшка в виде Клеопатры», 1952), пронизанные нотами меланхолической созерцательности, близки эстетике символизма.

Ян Зрзавый родился в 1890 г. в г. Вадине в Восточной Чехии. В 1906 г. шестнадцатилетним юношей переехал в Прагу, где поступил в Художественную ремесленную школу. Этот чувствительный, замкнутый в себе юноша, одаренный безграничной фантазией, уже в 1907-1908 гг. создал свои первые символистические шедевры, вошедшие в историю современной чешской живописи: Долина печали, Веселые странницы, Автопортрет I и II, Антихрист и пр.

Зрзавый характеризовал основное чувство, вызываемое Долиной печали, как «застывший покой и боязливое ожидание» ответа на страшный вопрос жизни (при попытке описать ее «как процесс»): Зачем и Почему? Поэзия многих последующих произведений Зрзавого была поэзией застывшего покоя и ожидания, тишины, медитации и немого обращения к зрителю, исканием извечной сути жизни, равно, как извечной сути формы, цвета и света.

В 1918 г. Зрзавый впервые устроил свою выставку в галерее «Салон Топича» в Праге и в том же году участвовал и в выставке группы «Тврдошийини» («Упорствующие»). С этого времени его произведения вышли из затворничества ателье и вызвали повышенной внимание.

«Мое искусство …., демонстрирует состояния души, стоящие на якоре в полной темноте подсознания человеческого существа…. В области живописи оно означает введение массы в духовную сферу и проникновение психических сил в эту массу…».

С начала двадцатых годов в творчестве Яна Зрзавого стали проявляться новые тенденции развития. Эта были попытки определить свое отношение к своеобразию современного мира и, в частности, современного крупного города. К основной концепции художественного произведения, вырастающего из подсознания, теперь присоединилась конфронтация с реальностью современного ему социума.

Последние произведения Яна Зрзавого (период с 1956 г.) явились результатом его вдохновения при встрече и новым открытии искусства античности. Он опять вернулся к своим ранним темам, но как бы переосмыслил их с позиций вечных ценностей: «В зрелые годы человек по иному смотрит на проявления жизни, уже знает, что бесценно и на что жалко терять свои силы. Нет уже времени на экспериментирование и ошибки… Человек уже не хочет быть обманутым, он должен понять, что смысл и цель жизни, наивысшая ее мудрость и правда – это Красота». Так написал Ян Зрзавый, любуясь прекрасными формами Хрюшки-Клеопатры, вдохновившей его на последний шедевр (remake картины 1908 г.).




http://www.big.spb.ru/about/art_chapter/pigs/db_res/pigs/zrzavy.shtml

[тюлечка]

La bonne fortune?

Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Рене Магритт Сюрреализм Фантастическая сцена Франция 1950 1197

Рене Магритт (Magritte), (1898-1967)

Рене Франсуа Гислен Магритт - один из художников, сделавших наиболее заметный вклад в сокровищницу европейского движения сюрреализма. Через три года после того, как его мать совершила самоубийство, утопившись в реке Самбр, Магритт решил посвятить себя искусству и поступил в Академию Изящных Искусств. Он обучался там два года, с 1916 по 1918 г. В это время он познакомился с Жоржетт Бергер, на которой женился в 1922 г.

В тот же год Магритт посетил художественную галерею, где выставлялась картина де Кирико под названием "Песнь Любви". Картина тронула его до слез и окончательно изменила его взгляд на искусство. В 1927 г. Магритт открывает свою первую персональную выставку. Критики наводнили газеты отрицательными отзывами, выставка была дурно принята. Из-за первого провала Магритт впал в депрессию и уехал в Париж, где с 1927 года наступила полоса удач. На протяжении десяти лет его произведения выставлялись на международных выставках сюрреалистов. В 1930 г. картины впервые были показаны в США. Магритт добился огромной популярности, его знаменитые "господа в котелках" известны теперь по всему миру. Сюрреализм (в буквальном переводе с французского) означает "сверхреальность". Движение художников-сюрреалистов зародилось в Париже под эгидой Андре Бретона вскоре после I Мировой войны. Основная идея сюрреализма — достижение преувеличенного ощущения реальности с помощью искусства. Однако не все художники, примкнувшие к этому направлению, придерживались единой точки зрения насчет того, как должна быть воплощена идея. Стиль Магритта был крайне реалистичен, с резкими линиями и ломаными гранями. В картинах он старается показать два или несколько обыденных предметов, в которых нет ничего странного. Затем он располагает эти два не взаимосвязанных предмета вместе и выписывает их взаимосвязь, создавая тем самым нечто сюрреалистическое. Его картины создают эффект чего-то странного и причудливого. Это прекрасно иллюстрируется полотном "Время пронзенное" ("La duree poignardee", 1938). Здесь Магритт сочетает обычный локомотив и заурядный камин, но их совмещение создает загадочный образ. Таково типичное впечатление от его картин. К типовым образам Магритта относятся также женский торс, "маленький человек" буржуа, котелок, замок, хрюшка, скала и окно. Определение сюрреализма по Магритту таково: "Сюрреализм — это знание абсолютной мысли". Магритт сумел заставить современного человека сделать остановку, ткнуть его лицом в обыденный предмет — "это кусок сыра" ("Ceci est un morceau de fromage", 1963), — и погрузить в отвлеченные размышления, настолько отвлеченные, что они заранее не могут рассчитывать на какую-либо результативность. На выставке Магритта всегда царит состояние невесомости сна или космического полета, и предметы, столь обманчиво осязаемые, свободно летают по воздуху, а вместе с ними воспаряет и зритель, захваченный высокоумным абсурдом, лишающим тяжести и мозг, и тело, и душу. "Владычество Света" ("L'Empire des Lumieres", 1954) написана Магриттом в 1954 году, за 13 лет до смерти. В картине использовано типичное для него решение — сочетание двух реалистичных изображений, создающих в комплексе единый таинственный, сюрреалистический образ. Магритт утверждал, что образы просто приходят к нему, не объясняя, что они так или иначе могут означать. Картины художника представлены в бельгийских музеях: в Брюсселе (Кор. музей изящных искусств - "Империя света" 1954) Льеже ("Двойной секрет" 1927) в Шарлеруа Генте а также в Вене (Музей искусства XX в.) Нью-Йорке (Музей современного искусства) Хьюстоне (собрание Де Мениль) Филадельфии ("Шесть элементов" 1928) Париже ("Красная модель" Нац. музей современного искусства Центр Помпиду) Чичестере (Суссекс фонд Эдварда Джеймса) Венеции (фонд Пегги Гуггенхейм - "Империя света" ок. 1953-1954), а также в частных собраниях. В Интернете существует Музей Магритта.

[Aviva]

Это называется: Хрюшка с человеческим лицом?

[тюлечка]

Каталонская хрюшка


Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Хуан Миро Сюрреализм Фантастическая сцена Испания 1932 595

В начало каталога >>





Хуан Миро (Juan Miro) 1893 – 1983

"Все, что я рисую, я видел в полях или на морском берегу"

Испанский художник и скульптор - один из лидеров абстрактного и сюрреалистического направлений в искусстве ХХ века. Послужил стимулом для многочисленных художников, в том числе, для создателей комиксов и анимационных фильмов. Содействовал возникновению и успеху важнейших художественных течений, возникавших в Испании, Японии, Франции, США и других странах. "Духовный отец" современного авангарда.

Хуан Миро родился 20 апреля 1893 года в Барселоне, Испания. Миро поступает Школу ремесел и в Художественную школу, а потом в частную художественную школу Франсиско Гали в Барселоне. Там он познакомился с несколькими людьми, которые впоследствии стали его лучшими друзьями на всю жизнь (среди них - Мануэль Грау, Энрик Рикар, Хуан Пратс, Льоренс Артигас). Все его биографы указывают на тесную связь в течение всей жизни с тем местом, где он родился и вырос. Сам художник при каждом удобном случае также подчеркивал особое значение, которое придавал своей родине - Каталонии. В Испании он сохранял постоянное жилье и часто туда возвращался. В начале 1918 года Миро была обещана его первая персональная выставка. Одна из наиболее заметных картин того времени - Следы Повозки. Миро писал, что его "в наибольшей степени занимала каллиграфия дерева, или крыши - листок к листку, хворостинка к хворостинке".

В 1920 Миро переезжает в Париж, где знакомится с Пикассо, который, в свою очередь, представляет художника своим знакомым. К 1924 году Миро, по его собственным словам, "использовал реальность скорее как отправную точку". В том же году Андре Бретон опубликовал свой "Манифест Сюрреализма". Эта работа сильно повлияла на Миро. В частности, один из базовых принципов сюрреализма, связанный с использованием сновидческих образов (бессознательного) был источником вдохновения для многих его работ. Как истинный сюрреалист, Хуан Миро, описывал свой опыт так: "Я начинаю рисовать, и пока я рисую, картина сама начинает утверждать себя под моей кистью. Пока я работаю, некая форма становится знаком женщины или птицы. Первая стадия - свободная, бессознательная... Вторая стадия - внимательно выверенная".

Миро также начинает экспериментировать с необычными материалами. Например, Рисунок (1934) нарисован на наждачной бумаге, Веревка и Фигура I (1935) включает в себя большой кусок веревки. Позже в круг интересов вовлекается керамика. В 1955 году ООН заказало Миро роспись двух длинных стен вокруг нового здания в Париже. В результате появились Солнечная Стена и Лунная Стена, покрытые яркими рисунками. За это творение художник получил премию фонда Гуггенхейма. Общественное признание также не заставило себя ждать. Известность и полученные деньги позволили Миро переехать в большую студию, где он жил и работал все оставшееся время. С коммерческой точки зрения Хуан Миро - один из самых продаваемых современных художников. Его абстрактные композиции ценятся за декоративизм, прекрасно подходящий для оформления банковских холлов и роскошных вилл на Лазурном берегу. Миро на данный момент - неотъемлемая принадлежность буржуазного истеблишмента. Особую популярность получили его многочисленные литографии - излюбленный товар рынка современного искусства - ходкий, броский и хорошо покупаемый. Миро - гений современного дизайна. Уединившись в своей студии, построенной Сертом на солнечной Майорке, он производил множество рисунков, литографий, картин, керамических изделий. Впоследствии они расползлись по галереям и частным коллекциям всего мира. Любопытно, как европейский авангард, добившись известности, менял мансардные студии в Париже на средиземноморскую курортную полосу - Дали, Матисс, Леже, Калдер, Пикассо, Брак. Миро тоже физически принадлежит к этому "Средиземноморскому Золотому Веку Авангарда".

Однако не все работы Миро можно назвать декоративными. Весьма показательна в этом плане проходившая с 30 января по 30 мая 1998 года в Кельне выставка "Miro. Rebellion against Form", где были выставлены работы, не показывавшиеся при жизни художника. Для галерей Мэг и Пьера Матисса они были слишком радикальны. Выставленные работы Миро - это несколько его композиций, набросанных кистью поверх "реалистической" живописи, в основном пейзажной, продырявленные полотна и два коллажа из картона и фанеры, исчерченных карандашом и тушью. Все эти вещи датируются 60-70 годами и были мало известны, практически не попадая в большие монографии, посвященные художнику. Экспозиция, - это своего рода хулиганские выходки Хуана Миро, художника, заявлявшего, что после наскальной живописи ничего великого в изобразительном искусстве создано уже не было. Художника, который никогда не отказывал себе в удовольствии сказать "Merde!" всем, кто, как он считал, ценит в искусстве лишь его коммерческую ценность.

[тюлечка]

Неожиданная встреча


Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Инал Савченков Новые художники Фантастическая сцена Россия 1985 404

В начало каталога >>





Савченков Инал (Inal) (р. 1966)

Живописец. Родился в Новороссийске. С 1982 живет и работает в Ленинграде. С 1984 участвует в выставках объединения "Новые художники". В 1987 совместно с Ф. Родвальдом создал школу "Инженеры искусств". В 1987 создает творческую группу «Северный полюс», областью деятельности избравшей кино и мультипликацию. Параллельно ведет теоретические разработки, связанные с понятием реального и поисками искусства, передаваемыми через сознательные импульсы. Занимается проблемами перекодировки аудио-визуальной информации, развитием «сознательных» произведений, их динамикой и использованием в терапевтических целях.
Инал Савченков - один из ярких представителей школы ленинградского неоэкспрессионизма, сформировавшейся в начале 1980-х годов вокруг группы «Новые художники». Спонтанность художественного жеста, романтизация бессознательных мотивов творчества, мифологизация городской среды - все эти черты, характерные для неоэкспрессионизма, свойственны И.Савченкову. В начале 1980-х он создает серию картин, выполненных в стиле городских графити, где «главными героями» являются большеголовые антропоморфные существа, напоминающие персонажей из зловещих комиксов, но встречаются и мирные хрюшки, жужелицы и бронтозавры.

Первым коллекционером И. Савченкова стал организатор группы «Новые художники» Тимур Новиков, буквально спасший его ранние произведения, и передавший их со временем в Отдел новейших течений Русского музея. С 1984 Инал активно участвует в выставочной деятельности, с началом перестройки его творчество олицетворяет новое советское искусство и показывается в крупнейших музеях современного искусства. Начиная с 1986 И. Савченков, помимо живописи, занимается кино и мультипликацией.
В конце 1980-х он объединяет вокруг себя группу молодых художников «Школу инженеров искусства», проявляющих интерес к психологии искусства и проблемам перекодировки аудио-визуальной информации. Художник активно сотрудничает с различными музыкантами («Новые композиторы», «Два самолета», «Колибри», «Популярная механика»). Одна из самых известных картин Савченкова «Я сон свой охраняю сам» была воспроизведена на обложке пластинки Сергея Курёхина «Опера богатых».
В конце 1990-х Савченков работает в стиле пост-медийной живописи, заимствуя свои сюжеты из популярного жанра пародийных боевиков в стиле «Криминальное чтиво». Его герои - романтизированные гангстеры, персонажи современных городских комиксов. Савченков - блистательный медиатор, мастер перевода на авторский язык анонимного стиля масс-медиа. Несмотря на то, что живопись Савченкова меняется на протяжении десятилетия, его по-прежнему волнует мифология городского пространства .

Участвует в многочисленных выставках в России и за рубежом: 1987 «Без ореола», Gdanski Kantor sztuki, Гданьск, Польша; 1988 «Новые художники», Raab Galerie, Берлин, Германия; «40 лет неофициального искусства Ленинграда», Гавань, Ленинград; «Новые из Ленинграда», Kulturhuset, Стокгольм, Швеция; «Красная волна», Sawtel Gallery, Лос-Анжелес, США; 1990 «Другой Санкт-Петербург», Musee de Art Contemporain, Мартиньи, Швецария; 1997 «Красный цвет в искусстве» Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург; 1998 «Новые поступления государственного Русского музея» ГРМ, Санкт-Петербург; 2000, «По следам «Популярной механики», «Мраморный дворец», ГРМ, Санкт-Петербург.

Произведения находятся в ГРМ, С.-Петербург; музее "Царицыно", Москва; коллекции С. Борисова, Москва; Frederic R. Weisman Art Foundation, США.

[тюлечка]

С Рождеством Хр!



Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Александр Тышлер Экспрессионизм Фантастическая сцена Россия 1960 403

В начало каталога >>





Александр Тышлер (1898—1980)

Тышлер - странный, ни на кого не похожий и потому нелегкий для зрителя художник. Его этим много и долго попрекали, мешая работать. Но он оставался самим собою, потому что иным стать не мог и не хотел. Он живописец и график, театральный художник, скульптор и во всех этих видах искусства - на холсте, на бумаге, на сцене - безудержный фантазер и мечтатель, изображающий мир всегда преображенным с помощью своеобразного языка зримых метафор.

Тышлер учился в Киевском художественном училище (1912-17), затем в студии А. А. Экстер в Киеве же (1917-19), наконец, в московском Вхутемасе у В. А. Фаворского (1921-24). Работать самостоятельно начинал в середине 1920-х гг., в тесном кругу молодых новаторов ОСТа, но и там был сам по себе. Художники объединения ориентировались на все современное - технику, спорт, политику, а он обращал в романтическую сказку даже самую злободневную и конкретную тему, будь то рисунки для учебника геометрии (1925) или серия картин и рисунков "Махновщина" (1920-е), с буйными скачками в бескрайнем степном пространстве и гротескными фигурами пьяных махновцев в громадных папахах.

Уже в этих станковых работах критики разглядели скрытую театральность образов, "сны о театральных постановках", "свободу современного театрального подхода к вещам" (Я. А. Тугендхольд). В самом деле, Тышлер относился к используемым в его искусстве вещам очень по-современному, свободно, - не выстраивал из них некое подобие окружающей реальности, а смело преображал, придавал им не прямой, а метафорический смысл. Так он поступал и в живописи, и на сцене. Первый его заметный спектакль - "Овечий источник" Лопе де Веги, поставленный в 1927 г. в Минске. Метафорическим образом крестьянского быта стала здесь плетеная корзина, или плетень. Пространство сцены целиком заключено в это округлое плетение, оборачивающееся стенами деревенских домов с выступающими крылечками и лесенками.

Любимым драматургом Тышлера был У. Шекспир. Мир Шекспира воплощен часто в фантастическом средневеком сооружении - дворце или замке, видимом снаружи и одновременно изнутри ("Гамлет", 1953; "Ричард III", 1963, на сцене не осуществлены). Остроконечные своды опираются на подобия человеческих фигур, - это не мертвый фон, а живая, по-своему очеловеченная архитектура, принимающая прямое участие в драматическом действии. Сооружение может, если нужно, поворачиваться, трансформируясь на глазах. Помещается этот сказочный замок со своей открытой сердцевиной на сцене весь целиком, от цоколя до остроконечных черепичных крыш, и его поэтому пришлось, разумеется, уменьшить ("здание-складень", как называет его критик А. Бассехес). Благодаря этому укрупняются, монументальными становятся фигуры актеров, отчетливее игровой, театральныи характер зрелища, не притворяющегося слишком натуральной реальностью. В "Короле Лире" (ГОСЕТ) художник подчеркнул это, соорудив на сцене еще одну сцену, подобие передвижного театра-тележки с раскрывающимися створками, тоже опирающуюся на молчаливые фигуры-кариатиды.

Искусству Тышлера свойственно многократное варьирование однохарактерных, чаще всего символических образов. Таковы его живописные и графические серии последних лет жизни, где хрупкие девушки несут на головах и плечах натюрморты или декорации, какие-то странные сооружения, символизирующие театр или праздничный балаган, крепость или морскую стихию (серии "Океаниды", "Сказочный город", "Балаганчик", "Маскарад", "Клоуны", "Прекрасные хрюшки" и др., 1960-70-е).

[Aviva]

Тюлечка, спасибо тебе за все это художественное светопредставление

[тюлечка]

[тюлечка]

Слоновая боевая хрюшка с Целебеса


Автор: Школа: Жанр: Страна: Год: Просмотров:
Макс Эрнст Сюрреализм Фантастическая сцена Германия 1920 471

В начало каталога >>





Макс Эрнст (Max Ernst) (1891–1976)

«Макс Эрнст обладает безграничными способностями; решив покончить с мошеннической мистикой мертвых изображений, он заряжает в свой аппарат самый захватывающий на свете фильм и все с той же элегантной улыбкой до самой глубины освещает нашу внутреннюю жизнь несравненным сиянием». (Андре Бретон)

Немецкий, французский и американский живописец и скульптор, основатель дадаизма, один из ведущих сюрреалистов. Макс Эрнст родился в городке Брюль в Германии 2 апреля 1891. В 1908–1914 параллельно с занятиями живописью и литературой изучал философию, психологию и историю искусства в Боннском университете. В 1919 в Кёльне участвовал в создании группы дадаистов – приверженцев движения, возникшего тремя годами ранее в Цюрихе среди художников, писателей и критиков, разочарованных войной и стремящихся опровергнуть установленные общественные, моральные и художественные ценности.

В том же 1919 художник создал свои первые коллажи. Для них он брал гравюры из научных изданий и старых каталогов, рекламные проспекты и плакаты, страницы популярных романов и т.п. Сюжет, изъятый из своего контекста и перенесенный в абсурдное окружение, превращался в сюрреалистический образ. Эрнст делал целые серии таких работ, например «роман в коллаже» «Стобезголовая женщина» (1929), состоящий из 149 композиций. В 1922 Эрнст переехал в Париж, где жил до начала Второй мировой войны. В 1924 он присоединился к Андре Бретону и окружавшим его художникам и поэтам, вместе с которыми основал сюрреализм – направление в искусстве, стремившееся передавать реальность подсознательного посредством «автоматизма» или техники свободных ассоциаций. Фрейдистские взгляды настолько были усвоены многими лидерами сюрреализма, что превратились в их способ мышления. Они даже не вспоминали о том, из какого источника взято то или иное воззрение или подход. Так, Макс Эрнст развивал свое зрительное воображение, созерцая предметы прихотливой, иррациональной формы. В поисках техники, которая была бы более зависима от случая, чем коллаж, Эрнст изобрел фроттаж – перевод на бумагу текстуры какой-либо грубой или шероховатой поверхности. Например, лист помещался на необструганное дерево и протирался грифелем или углем; в результате на нем получалось изображение, напоминающее какую-либо узнаваемую форму, Эрнст дорисовывал его краской. Художник использовал и другие автоматические техники, например, брызгал краской на полотно или клал две только что написанные картины одну на другую и получал новые неожиданные рисунки на обоих холстах. Часто эти мотивы перерабатывались в какой-нибудь первобытный пейзаж с фактурой, напоминающей растительные формы, клубки переплетенных корней, лаву или стоячую воду. Художник населял такие пейзажи причудливыми существами, напоминающими дриад, морских коньков и насекомых.

В 1941 Макс Эрнст приехал в США и сначала поселился в Нью-Йорке, а затем в Аризоне. В 1951 он создал серию миниатюрных пейзажей Аризоны, некоторые из них были размером с почтовую марку; он назвал их «картинами-микробами». В 1951 художник вернулся в Париж, где в 1959 Музей современного искусства организовал ретроспективную выставку его работ. Такие же выставки прошли и в Нью-Йорке: в Музее современного искусства (1961), в Еврейском музее (1966) и в музее Соломона Гуггенхейма (1975). Умер Макс Эрнст в Париже 1 апреля 1976. Привычка к описанию и фиксации этих переживаний в его книге «За пределами живописи», оставила нам массу авторских признаний о истоках его живописи: Будучи человеком заурядной конституции, если использовать оборот Артюра Рембо, я приложил все свое старание, чтобы сделать свою душу монстрообразной. Из слепого пловца, каким я был, я превратил себя в видящего (провидца). Я видел. И обнаружил, что я влюбляюсь в то, что вижу, и хочу идентифицировать себя с виденным мною. Так рождались работы и образы себя». Так родился Хроноп повелитель хрюшек с Целебеса, верховная Хрюшка, которая приходила к Эрнсту с беседами и новыми фантазмами и была одновременно ипостасью художника.

[тюлечка]

.






Как вам лягушка развратница?


http://epoxa.ru/cgi-bin/Cat.cgi?32&7

[тюлечка]

К сожалентю,свинки кончились,перейдем на других,не менее симпатичных животных.

Марина Ефремова.Орангутанг.Холст,масло

Денис Климов /

Новое слово в искусстве
Денис Климов

Кабра
Денис Климов

Кабра
Денис Климов

Пес
Денис Климов

Улитка
Денис Климов

Рыбы в бассейне волги
Денис Климов
http://www.apus.ru/site.xp/049050053057124052057053053124.html

[тюлечка]

Анималистическая живопись Марины Ефремовой


Йорки Тофик",
2005 г., холст, масло,
50х60 см



"Йорки Маня",
2006 г., холст, масло,
40х30 см.


Йорки Чинк",
2006 г., холст, масло,
35х25 см



"Портрет Тимони",
2004 г., картон,
пастель, 60х50 см
Частное собрание

http://www.nv.ru/page1.htm

[тюлечка]

Анималистическая живопись Марины Ефремовой

Портреты животных, собак, кошек, лошадей, диких зверей и птиц - анималистика, анимализм





Персидский кот Пася", 2003 г., холст, масло,45х35 см





"

"Мопсы", 2002 г.,
картон, пастель,
45х35 см.



"Попугай", 2005 г.,
картон, масло,
35х25 см

[тюлечка]

Графика занимает важное место в творчестве Марины Ефремовой. Именно с нее в 1990-м году начался ее путь как художника, когда она параллельно с научным редактированием популярного среди любителей собак журнала "Ника" стала его художественным редактором и иллюстратором. Позднее рисунки Марины Ефремовой публиковались в журнале "Новый Вернисаж", в газете "Экономика и жизнь", в журнале "Кот и Пес" и газете "Кот и Пес". В 2004 году в московском издательстве "Аквариум" вышла книга известной писательницы Ольги Арнольд "Животные, которые нас лечат" с 63 иллюстрациями Марины Ефремовой, сделавшими эту интересную книгу уникальным подарочным изданием


"Кошачий лемур",
2003 г., бумага, уголь,
эскизный карандаш,
35х30 см



"Шимпанзе",
2003 г., бумага, уголь,
эскизный карандаш,
20х21 см



"Детеныш гориллы",
2003 г., бумага, уголь,
эскизный карандаш,
29х21 см
http://www.nv.ru/page6.htm

[тюлечка]

ЖЕНЩИНЫ И КОШКИ


АНТОНОВА Елена "Портрет незнакомки у камина", 1993г., батик, 72х52



КОШКА”
Бронзовая скульптура "Кошка", покрытая черной патиной, высотой в 2,5 метра, одна их трех знаменитых кошек известнейшего колумбийского скульптора Фернандо Ботеро была создана в 1999 году. “Кошка” является первой скульптурой Ботеро из личной коллекции Джерарда Л. Кафэсчяна, которая украшает Ереван. Таким образом Ереван стал в один ряд с крупнейшими столицами мира.
Эта скульптура является великолепным образцом известных и экспонированных по всему миру, монументальных работ Ботеро. Стиль – неоспоримый, а творческий замысел – “беспримесный” Ботеро. “Кошка” просто восхитительна. Где бы не выставлялась эта пухлая, похожая на необъятное удовлетворение кошка, почетно облизывающаяся, какбудто смакующая “лакомым кусочком’, она становится самым любимым другом играющих по соседству детей.
“Кошка” является одной из самых значительных работ Ботеро, которая олицетворяет постоянный “диалог” мастера с животными формами

[тюлечка]

ЗАПОЛЬСКАЯ Анна "Девушка с кошкой", 1993 г., батик, 60х60


БАУМЕНКО Владимир "Котя", 1993 г., см.т., 47х35

--------------------------------------------------------------------------------

[эго]

Не кашерно,однако,но под хреном-съедобно...

[тюлечка]

ДМИТРИЕНКО Эдуард "Богиня ночного города" 1991 г., х.м., 100х80


МИНСКАЯ Наталья "Старуха", 1990 г., см.т., 50х45

[тюлечка]

Т.А. Стейнлейн

[Aviva]

Кошка в аквариуме просто чудо. А последняя старуха, ну прямо как врубелевский Демон.

[тюлечка]

Чарушкин Евгений



http://borzilio.hut1.ru/

Зайдите на сайт и посмотрите,к сожалению не все удается перенести

[тюлечка]

Tatyana Volkova



Malova Lyuba

[тюлечка]

[Aviva]

Чудо. Жаль только картинки пропадают

[тюлечка]

.Накамури "Девочка с кошкой"


Рисунки Андрея Макаревича

[тюлечка]

Van Gogh's Cat


Manet's Cats


Matisse's Cat

[тюлечка]

Жук I
Петр Хохловкин

Жук
Петр Хохловкин


Материал: бронза.

Ушан
Петр Хохловкин